Ecology and Politics - Ecologie et Politique

Hui Luan Tran ¹, Maurice Sass ², Philippe Cordez ³

¹University Of Mainz - Mainz (Germany), ²Alanus University Of Arts And Social Sciences - Alfter (Germany), ³Musée Du Louvre - Paris (France)

Sujet en anglais / Topic in english

The formation of man from a lump of clay is an ancient narrative that was often transferred onto artistic practice in the premodern world and especially in Early Modern Europe. Inherent in this elevation of art to a godlike activity that gives form to matter, is an eminently hegemonic gesture. In this session, as a contrast, we want to take an eco-critical perspective on how artists connected materials by layering, transferring, and networking. With a focus on this relational understanding of artistic practice ecological dimensions can be recognized. Art making always means dealing with materials whose availability is unstable and potentially exhaustible.

The research of the last two decades has made clear that works of art and their materiality were highly involved in the natural history discussions of the early modern period. This is especially true regarding unusual, monstrous, and non-European objects in sacral and courtly collections in Europe. Many excellent studies have thus problematized (from postcolonial and other perspectives) the orders, hierarchies, and values implied by these artworks. Eco-critical perspectives, in contrast, have been largely disregarded. Accordingly, there has been insufficient investigation of how the artistic use of materials has been a crucial arena for shaping, reflecting, and subverting the nature/culture dichotomy identified by Philippe Descola, Bruno Latour, Timothy Morton, and others as an early modern root of today’s global ecological crisis.

The session will address these matters of early modern and pre-modern ecologies from different viewpoints:

Considering artistic techniques ecologically:

• Artistic creation is a multi-layered process of shaping that brings materials into specific physical states and mutual relationships, while symbolically correlating objects with each other. How can artistic techniques be described as practices of ecology as based on these interlinking characteristics? What conclusions can be drawn about complex artistic procedures or chaînes opératoires in which different steps, people and places are involved?

Reflecting artistic material as resources:

• Clay, stone, wood, metal, fabrics, gemstones, paper, pigments, and many other materials are resources that artists have at their disposal. How was the value of these ‘natural’ and limited resources reflected? How do aesthetic and social aspects relate to these values?

Recycling artistic materials:

• In artistic processes, materials are often subject to reuse or repurposing. Even before that, building materials or drawing and painting grounds can be the result of a recycling process. To what extent do conceptions of sustainability or prodigality come into play here? And what are the aesthetic and semantic costs and benefits of reuse and repurposing of materials in works of art?

Shaping other ecologies:

• The use of artistic materials creates ecologically analyzable systems and implicit leitmotifs of natural orders. Moreover, many early modern artworks do not simply shape, but challenge the culture/nature dichotomy and make it possible for us to imagine and experience diverse relationships between animate and inanimate beings on this planet. What is the role of the materials’ semantics and their sensuous qualities in these cases? How can works of art elude usurpatory manipulation and thus configure alternative relationships of humans to the world?

Sujet de la session en français / Topic in french

Matières à écologies à l’aube de la modernité

Le récit ancien de la formation des êtres humains à partir d’une motte d’argile a souvent été transcrit dans la pratique artistique, en particulier en Europe à l’époque dite « moderne » (vers 1400-1800). Cette élévation de l’art à un acte d’ordre divin donnant forme à la matière désigne un geste éminemment hégémonique. Dans cette section, nous souhaitons au contraire considérer dans une perspective éco-critique comment les artistes ont associé des matériaux en les superposant, en les transférant ou en les mettant en réseau. Faire de l’art, c’est toujours faire avec des matériaux dont la disponibilité n’est pas constante et peut se tarir.

Les recherches des deux dernières décennies ont souligné le rôle essentiel des œuvres d’art et de leur matérialité dans les débats de l’époque moderne sur l’histoire naturelle, ainsi notamment pour les objets inhabituels, monstrueux ou non européens rassemblés dans les églises et les cours d’Europe. D’excellents travaux ont interrogé, dans une perspective postcoloniale ou autre, les hiérarchies d’ordre et de valeur que ces objets impliquent. Les approches éco-critiques restent par contre largement négligées. Il manque des études montrant comment l’usage artistique des matériaux fut à l’époque moderne un lieu central d’élaboration, de mise en forme, de réflexion, voire de subversion quant à la dichotomie nature/culture identifiée par Philippe Descola, Bruno Latour, Timothy Morton et d’autres comme une racine de la crise écologique globale actuelle.

La session considèrera ces matières à écologies avant et pendant les débuts de la modernité, selon plusieurs points de vue :

Considérer les techniques artistiques écologiquement :

• La création artistique est un processus de mise en forme à niveaux multiples qui met les matériaux dans des états physiques spécifiques et les lie entre eux, tout en établissant des relations symboliques entre les objets. Comment les techniques artistiques, fondées sur ces propriétés relationnelles, peuvent-elles être décrites comme des pratiques écologiques ? Que conclure à propos de procédures artistiques ou chaînes opératoires complexes impliquant une pluralité d’étapes, d’acteurs et de lieux ?

Penser les matériaux artistiques comme des ressources :

• Argile, pierre, bois, textiles, gemmes, papier, pigments et bien d’autres matériaux sont des ressources dont les artistes disposent. Comment la valeur de ces ressources, conçues comme « naturelles » et limitées en quantité, a-t-elle été pensée et mise en scène ? En quoi les aspects esthétiques et sociaux étaient-ils liés à ces valeurs ?

Recycler les matériaux artistiques :

• Dans les processus artistiques, les matériaux sont souvent réemployés en innovant. Plus simplement, les matériaux de construction ou les supports pour dessiner ou peindre peuvent résulter d’un recyclage. Dans quelle mesure les notions de durabilité ou de prodigalité interviennent-elles ici ? Quels sont les coûts ou bénéfices esthétiques et sémantiques de la réutilisation des matériaux en art ?

Façonner des écologies alternatives :

• L’usage des matériaux artistiques crée des systèmes analysables écologiquement et produit implicitement des Leitmotivs, motifs directeurs instaurant des ordres du monde compris comme naturels. Or quantité d’œuvres d’art de l’époque moderne non seulement façonnent, mais questionnent la dichotomie culture/nature, nous permettant ainsi d’imaginer – en en faisant l’expérience – des relations diverses entre êtres animés et inanimés sur cette planète. Quels sont ici les rôles de la sémantique et des qualités sensibles des matériaux ? Comment les œuvres d’art peuvent-elles éviter la manipulation usurpatoire pour configurer d’autres relations entre les humains et le monde ?

Koching Chao ¹, Harold A. Guízar ²

¹National Sun Yat-Sen University - Kaohsiung (Taiwan, Republic of China), ²University Of York - California (United States)

Sujet en anglais / Topic in english

In recent decades, “everyday life” has drawn scholarly attention in the fields of early modern cultural studies (T. Bennett, T. Ingold, C. Richardson). By probing the production, exchange, utilisation and display of man-made objects, from painting, sculpture, buildings, decorative furniture, religious items, to personal items such as clothing, tableware, and textiles, scholars have underlined the instrumental functions of material objects in consolidating and regulating social order. For instance, it has been suggested that the elite classes’ consumption behaviour not only reflects their taste, fashion, wealth, pride and identity, but it also establishes their superiority (M. O’Malley, E. Welch). Similarly, the ways in which artisans interacted with and utilised everyday objects offers us a way to understand the social status of non-elite groups (P. Erichsen).

While material culture studies focus on the object-based urban society, it is worth mentioning that scholars tend to consider only domestic objects. Meanwhile, architectural commissioned for public usage, in particular those large-scaled civic monuments, buildings, and spaces, have not yet been fully explored (E. Campbell, S. Cavallo, S. Evangelisti). Such an oversight is probably constrained by the mainstream of art and architectural historical studies, in which architecture are commonly categorised as fine arts, and thus a field of visual, rather than material, culture studies (M. Yonan). However, the inherent accessibility of public architecture to people across social hierarchy, as well as their omnipresence in various types of urban activities, ranging from the ecclesiastical to the civic, could evidently shape contemporaries’ urban experience in ways that deserve further investigation. Some of the ways in which the materiality of public buildings inhabited the sphere of communal space include the processes by which they were commissioned, produced, their materials selected, and finally how they were presented.

Taking public, communal buildings as material evidence of the interrelationship between architecture, space, urban residents, and their daily experience, the goal of this panel is twofold: first, by exploring people’s utilisation of public buildings, it seeks to broaden the focus of current material culture studies. Secondly, by illustrating contemporaries’ everyday routine and behaviour around public buildings and spaces, it aims to illustrate a more inclusive imagery of early modern urban daily life.

Sujet de la session en français / Topic in french

Au cours des dernières décennies, la "vie quotidienne" a attiré l'attention des chercheurs dans les domaines des études culturelles du début de l'époque moderne (T. Bennett, T. Ingold, C. Richardson). En examinant la production, l'échange, l'utilisation et l'exposition d'objets fabriqués par l'homme, qu'il s'agisse de peinture, de sculpture, de bâtiments, de mobilier décoratif, d'objets religieux ou d'articles personnels tels que les vêtements, la vaisselle et les textiles, les chercheurs ont souligné le rôle clé des objets matériels dans la consolidation et la régulation de l'ordre social. Par exemple, il a été suggéré que le comportement de consommation des classes d'élite ne reflète pas seulement leur goût, leur mode, leur richesse, leur fierté et leur identité, mais qu'il établit également leur supériorité (M. O'Malley, E. Welch). De même, la manière dont les artisans interagissent avec les objets quotidiens et les utilisent nous permet de comprendre le statut social des groupes non élitaires (P. Erichsen). Si les études sur la culture matérielle se concentrent sur la société urbaine basée sur les objets, il convient de mentionner que les chercheurs ont tendance à ne prendre en compte que les objets domestiques. Par ailleurs, les objets architecturaux destinés à un usage public, en particulier les monuments, bâtiments et espaces civiques de grande taille, n'ont pas encore été pleinement explorés (E. Campbell, S. Cavallo, S. Evangelisti). Une telle lacune est probablement due au courant dominant des études historiques de l'art et de l'architecture, dans lesquelles l'architecture est généralement classée dans la catégorie des Beaux-Arts, et donc dans un domaine d'études de la culture visuelle plutôt que matérielle (M. Yonan). Cependant, l'accessibilité inhérente de l'architecture publique aux personnes de toute condition sociale, ainsi que son omniprésence dans divers types d'activités urbaines, allant de l'ecclésiastique au civique, pourraient de toute évidence façonner l'expérience urbaine des contemporains d'une manière qui mérite d'être étudiée plus avant. Parmi les manières dont la matérialité des bâtiments publics a habité la sphère de l'espace collectif, on peut citer les processus par lesquels ces bâtiments ont été commandés, produits, leurs matériaux sélectionnés, et enfin la façon dont ils ont été présentés.

En considérant les bâtiments publics et collectifs comme des preuves matérielles de l'interrelation entre l'architecture, l'espace, les résidents urbains et leur expérience quotidienne, l'objectif de ce panel population, il cherche à élargir est double : premièrement, en explorant l'usage des bâtiments publics par la le champ d'intérêt des études actuelles sur la culture matérielle. Deuxièmement, en illustrant la routine et le comportement quotidiens des contemporains autour des bâtiments et des espaces publics, il vise à donner une image plus complète de la vie quotidienne urbaine du début de l'époque moderne. Ce panel accueille des propositions traitant de discussions théoriques ou d'études de cas en Europe ou aillerus entre 1400 et 1700.

Angela Vanhaelen ¹, Bronwen Wilson ², Annelies Verellen ³

¹Mcgill University - Montréal (Canada), ² Ucla - Los Angeles (United States), 3 McGill University - Montréal (Canada)

Sujet en anglais / Topic in english

This session contributes to current debates about climate change that are at the forefront of public and academic discourse by re-assessing the intersections of global mobility, environmental change, and artistic invention before the advent of the modern era. It investigates how the global escalation of environmental degradation generated the creation of green worlds in the early modern period (ca. 1492-1700). Papers will explore aspects of the real and imaginary green worlds of early modernity. Green worlds are human-made environments. They are created by practices like gardening, engineering, agriculture, deforestation, and land reclamation; they are also fabricated in the fictive worlds of painting, performance, theatre, and poetry. A green world is a second world; it is a controlled space that transforms matter and thus vies with nature in shaping artfully designed settings.

The focus of the session will be on the role of visual imagery, built environments, and material artefacts that advance new understandings of the world as a human-made invention. We aim to take up questions raised by ecocritical and anti-colonial approaches to art and art history and to be particularly attentive to the power dynamics that occur in various modes of engagement with matter and materiality. We are especially interested in exploring the tension between the creation and destruction of green worlds. Of importance is how early modern worldmaking occurred in tandem with the human and environmental devastation unleashed by increasing global mobility, which facilitated the brutal exploitation and extermination of people and natural resources worldwide.

Sara Petrella ¹, Mylène Steity ²

¹Université De Fribourg - Fribourg (Switzerland), ²Université De Neuchâtel - Neuchâtel (Switzerland)

Sujet en anglais / Topic in english

The concepts of "art" and "museum" have to be rethought in the light of studies of artifacts made in the Americas, Africa, Asia or Oceania in the context of colonial history (16th-19th centuries) and now held in European collections. This specific context of the circulation of consumer goods on a global scale must encourage us to consider things in motion and to highlight the history of the construction of values that have been attributed to them over time (Kopytoff, 1986). The study of these objects must be integrated into a political, ideological and aesthetic history of paradigms that determine both their trajectory, their conceptualization in the colonial context and their reception today.

The different materials that make up these objects, the forms that illustrate them and the gestures that accompany them testify to their hybridity (Biro, Étienne, 2022), having been isolated, modified or reinterpreted. These objects carry meanings and values that are constantly changing. Material culture studies allow us to understand these changes in "the social life of things" (Appadurai, 1986). How are different "ontologies" (Descola, 2021) configured at the crossroads of the object? How can they be analyzed in the light of Indigenous intangible heritages (Paré, 2003)? What are the traces of different relationships to the world, or even of different forms of cultural interaction? What processes enable them to be activated (Gell, 1998) and what material evidence testifies to their successive reappropriations?

The political economy, the commodification of cultures and the emergence of tourism in connection with colonization allow us to understand how these objects were described and translated until the middle of the twentieth century in a system of classification that has long hierarchized European and non-European artistic productions. Material histories of objects allows us to better understand the hierarchies between artistic productions as well as the relationships and systems of exchange that exist between different regions of the world. It will then be a question of identifying the interactions between Western representations and Indigenous material culture, from transposition to translation or resistance. What are the material particularities of these objects that were imposed as soon as they entered collections in Europe and what is their link with general concepts linked to a certain definition of "art" (authenticity, aestheticism) (Phillips, 2020)? Can we observe exchanges between scientific illustration, and more generally the history of Western images, and these artifacts, or note direct impacts, for example on their modes of exhibition in Europe ?

The aim of this panel is to present models of provenance research by placing isolated artifact trajectories within a global geopolitics, which takes into account the specificities not only of the main empires of Europe, in particular France, but also their links with agents in bordering countries, such as Switzerland (Brizon, 2023). The proposals will also highlight innovative study and research methodologies to apprehend the polysemy of these objects, drawn for example from the new museology and participatory research (Simpson, 2016) in a perspective of decolonization of knowledge in the humanities (Smith, 1999).

Sujet de la session en français / Topic in french

Les concepts d’« art » et de « musée » méritent d’être repensés à l’aune des études autour des artéfacts réalisés dans les Amériques, en Afrique, en Asie ou en Océanie dans le contexte de l’histoire coloniale (XVIe-XIXe siècles) et aujourd’hui conservés dans des collections européennes. Ce contexte spécifique de circulation de biens de consommation à l’échelle globale doit inciter à considérer les choses en mouvement et à mettre en lumière l’histoire de la construction des valeurs qui leur ont été attribuées au fil du temps (Kopytoff, 1986). L’étude de ces objets doit être intégrée à une histoire politique, idéologique et esthétique faite de paradigmes qui déterminent à la fois leur trajectoire, leur conceptualisation dans le contexte colonial et leur réception de nos jours.

Les différents matériaux qui composent ces objets, les formes qui les illustrent et les gestes qui les accompagnent témoignent de leur caractère hybride (Biro, Étienne, 2022), ayant été isolés, modifiés ou réinterprétés. Ces objets transportent des significations et des valeurs qui se transforment en permanence. Les études sur la culture matérielle permettent d’appréhender ces changements dans "la vie sociale des objets" (Appadurai, 1986). Comment des

« ontologies » différentes (Descola, 2021) se configurent-elles au carrefour de l’objet ? Comment les analyser à l’aune des patrimoines immatériels autochtones (Paré, 2003) ? Quelles sont les traces de différents rapports au monde, voire de différentes formes d’interactions culturelles ? Quels procédés permettent de les activer (Gell, 1998) et quels indices matériels témoignent de leurs réappropriations successives ?

L’économie politique, la marchandisation des cultures et l’émergence du tourisme en lien avec la colonisation permet de comprendre comment ces objets ont été décrits et traduits jusqu’au milieu du XXe siècle dans un système de classification qui a longtemps hiérarchisé les productions artistiques européennes et non-européennes. L’histoire matérielle des objets nous permet de mieux comprendre les hiérarchies entre les productions artistiques ainsi que les relations et les systèmes d’échange qui existent entre les différentes régions du monde. Il s’agira dès lors de cerner les interactions entre les représentations occidentales et la culture matérielle autochtone, de la transposition à la traduction jusqu’à la résistance. Quelles sont les particularités matérielles de ces objets qui se sont imposées dès leur entrée dans les collections en Europe et quel est leur lien avec des concepts généraux liés à une certaine définition de l’« art » (authenticité, esthétisme) (Phillips, 2020) ? Peut-on observer des échanges entre l’illustration scientifique, et plus généralement l’histoire de images occidentales, et ces artéfacts, ou relever des impacts directs, par exemple sur leurs modes d’exposition en Europe ?

Le but de ce panel est de présenter des modèles de recherche en provenance en inscrivant des parcours isolés d’artéfacts dans une géopolitique globale, qui tient compte des spécificités non seulement des principaux empires d’Europe, en particulier de la France, mais aussi de leurs liens avec des agents dans des pays limitrophes, telles que la Suisse (Brizon, 2023). Les propositions mettront également en avant des méthodologies d’études et de recherches novatrices pour appréhender la polysémie de ces objets, tirées par exemple de la nouvelle muséologie et de la recherche participative (Simpson, 2016) dans une perspective de décolonisation des savoirs en sciences humaines (Smith, 1999).

Veronica Peselmann ¹, Grace Kim-Butler ², Elvan Zabunyan ³

¹University Of Groningen - Groningen (Netherlands), ²Utrecht University - Utrecht (Netherlands), ³Université Paris 1-Panthéon Sorbonne

Sujet en anglais / Topic in english

How are specific materials entangled with colonial ecologies and politics? How can we pursue a multidisciplinary conversation on entwined decolonizing practices of material culture? (Post)colonial perspectives on art and art history have long examined the visual depiction of colonized people and landscapes and how colonial power relations persist through limited access to exhibitions and production opportunities (Singh 2017, Enwezor 2008, Spivak 1988). In addition, recent research in the histories of art and environment follow the colonial pasts of materials into practices of the colonial present (e.g. Davis 2022, Foa and Ogata 2021, Demos 2017). Our session will build on this scholarship to investigate how today's practitioners in art and craft interpret (post)colonial theories and re-make them through the study and incorporation of specific materials. Along with this work, we ask: where do the materials of art come from, how are they extracted as raw materials and transformed into something work- able, and how may they obscure and make explicit colonizing practices and imaginaries, both old and new? In other words, we observe that decolonization is being built into the making of material culture today. We argue that following the different histories and production practices of each material can shine new light on how to conduct a decolonizing scholarship that accounts for both art and environmental histories.

It is imperative to bring together both the makers and the scholars of colonial histories in this work. We want to open up the multiplicity of decolonizing practice across the making of art and its critical study in humanities and social science research. Therefore, we invite art historians, environmental historians, artists, and museum studies scholars to consider together: Which aspects of colonial pasts and presents become materialized in artworks today, such as trade routes, exploitative labor, race and gender politics, environmental degradation, and waste? And importantly, which specific materials are brought to matter for those issues and used as decolonizing tools? Examples may include how artists today incorporate Indigenous materials to cite colonial contexts or "re-clothe" colonial monuments, or how past artisans working under colonial rule have used popular trade products as ways of speaking back to the colonial erasures of local techniques and knowledges.

Jessica Ullrich ¹, Kassandra Nakas ², Matthieu Duperrex ^3
1University Of Fine Arts - Münster (Germany), ²Leuphana Universität Lüneburg (Germany), ³Ecole nationale supérieure d’architecture de Marseille (France)

Sujet en anglais / Topic in english

In the light of debates on the Chthulucene or Plantationocene (Haraway 2016), ever more artists have recently been dealing with the basic matter of these concepts, and with the geological footing of Gaia (Lovelock/Margulis 1974) itself: with soil.

Soil forms the world we live from and in. It is the foundation of all life, provides food and fuel, shapes landscapes and cities. It is an "inscribed body" and "scarred terrain" (Agudio/Boschen 2019), teaching us about the Earth's past. According to many anthropogenic myths, humans emerged from soil, and eventually all life becomes soil. Its condition, however, is precarious: pollution, degradation, contamination, over-fertilisation, exploitation, (neo-colonial) extractivism add to eco-political distress and hardship for the land and its people (Sheikh/Gray 2018). The Geological has become inextricably linked with the Political (de la Cadena 2015; Povinelli 2016; Tsing et al. 2017; César 2018, Demos 2020).

Today, artists reflect upon the precarious status of soil, its compounds, produces and political implications. They tackle social and environmental, mythological and personal issues, and delve into soil’s cultural imaginaries and conceptualisations. Artists build and sculpt with mud, map and display territories, metabolise and listen to it; they collect and create fertile soils, narrate their stories and explore their sensual qualities (Toland et al. 2018). Soil care in the arts becomes a feminist and anti-colonial practice, and a gesture of solidarity with the non- human (Puig de la Bellacasa 2017).

This session provides a platform for the critical discussion of aesthetic and political negotiations and transformations of soil(s) and their methodological and ontological implications for art historical discourse. Taking into account Non-Western and indigenous perspectives, it stimulates an intercultural and interdisciplinary dialogue about the epistemological potential of an artistic ‘geology’ and its repercussions in political agendas; in short, it considers and explores the capacities and predicaments of a ‘Geological Turn’ in art history.